Los tejidos del presente

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Los tejidos del presente eran los del futuro y ya están aquí

Parece de ciencia ficción. Cuando yo era pequeña, o más joven, veía películas como El Quinto Elemento o Desafío Total y hablábamos del futuro, de como en el año 2020 los coches volarían y el cielo sería un caos circulatorio. Y aquí estamos, en el futuro y ese caos de los cielos parece que va a llegar pronto pero aún andamos un poco lejos. Pero hay otros campos de la industria en los que el futuro ya está aquí: el futuro de los tejidos es ahora el presente.

Y ¿porqué afirmo esto? Porque la industria tecnológica avanza a pasos agigantados, creo que va más deprisa de lo que muchos podemos asimilar. Ahora mismo podemos encontrar una variedad incalculable de cualquier cosa que busquemos. Pero yo solo quiero centrarme en un campo: el de la impresión tridimensional.

Y te estarás preguntando ¿qué tiene que ver la impresión tridimensional con el mundo de los tocados y la sombrerería en general? Y la respuesta es TODO. Estamos acostumbrados a ver pequeñas impresiones en 3D de objetos cotidianos como tazas, llaveros, pendientes, anillos, incluso la industria de la medicina ha hecho prótesis. Entonces ¿te sorprendería si te dijera que se puede imprimir tejido en 3D? Igual dicho así de pronto sí te llama la atención e incluso te preguntas ¿cómo?. Te lo voy a explicar.

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Gracias a la comercialización de un nuevo filamento flexible denominado FILAFLEX puede imprimirse cualquier cosa siendo su principal característica la elasticidad. ASísdescribe www.filament2print.com este filamento:

Filaflex presenta una gran elasticidad,  un alto coeficiente de fricción  y una gran suavidad que lo convierten en un material flexible con unas excelentes propiedades para impresión 3D. El FilaFlex Natural tiene excelentes propiedades de unión con PLA, ABS, HiPS, Nylon y casi cualquier material de impresión. Esto permite la creación de piezas compuestas que combinan materiales duros y blandos en una sola impresión. Además el filamento FilaFlex Natural es resistente a la gasolina, disolventes y a la acetona.

FilaFlex no es tóxico pero no está aprobado para uso médico o alimenticio. FilaFlex no desprende olores, es totalmente inodoro y no produce gases tóxicos. Además el filamento FilaFlex Natural es compatible con la mayoría de impresoras 3D del mercado.”

Como sabes Iris Van Herpen ha sido la precursora en el uso este tipo de impresión en la industria de la moda. Aunque es cierto que estos filamentos han sufrido una evolución a lo largo de los años hasta que ha llegado ha tener la flexibilidad suficiente como para que éste tipo de prendas hayan podido ser prácticas y por tanto ser vestidas por personas reales.

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Es el caso de la colección  que diseñó Danit Peleg, una estudiante de diseño de moda que confeccionó la primera colección enteramente realizada en impresión 3D para su proyecto de fin de carrera lo que la ha convertido ya en un referente en esta industria.

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Pero ¿cómo se hace? Lo primero es tener una idea o boceto para el primer prototipo. Una vez tengamos claro el diseño hay que crear un archivo en u programa compatible con la impresora 3D, y finalmente imprimir nuestro archivo en ella. En realidad no es complicado, lo complicado en realidad es la información que guardamos en el archivo, lo que sería el diseño en sí mismo, para eso vas a tener que saber manejar programas como Adobe Illustrator, por ejemplo. Pero … nunca es tarde ¿no crees?

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Quetzalapanecáyotl

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El Quetzalapanecáyotl o el tocado del emperador azteca

El quetzalapanecáyotl es un tocado de plumas de quetzal engarzadas en oro y piedras preciosas que perteneció a Moctezuma, uno de los emperadores aztecas más importantes que vivió entre 1466 y 1520. Esta pieza que actualmente se encuentra en el Museo de Etnología de Viena también es conocido como “el Penacho de Moctezuma”.

Aunque en las fotografías no se aprecia el tocado tiene una altura aproximada de 116 cm y un diámetro de 175 cm. Para su confección se han usado plumas azules del ave xiuhtototl, una fila de plumas de tlauquechol, también de cuclillo y finalmente plumas verdes de quetzal de hasta 55 cm de longitud.

El quetzal es un ave que actualmente se encuentra en peligro de extinción. Su nombre significa “garganta grande” y es originaria de los bosques tropicales de Méjico, Centro América y algunas partes de Sudamérica.

Además el tocado está adornado con piezas de oro en forma de media luna y piedras preciosas. Hay una leyenda sobre Moctezuma y porqué ordenó confeccionar este penacho que me parece muy interesante (vía https://www.otromundoesposible.net/fauna-latinoamericana-el-sagrado-quetzal/):

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Cuenta la leyenda que antes de la llegada de los españoles, Moctezuma reinaba sobre el Anáhuac. Cuauhtémoc, era un telpochtli (joven) cuyo trabajo era ser el visitador (inspector) oficial del emperador.

Un día Cuauhtémoc regresaba de la ciudad de Yahualichan, cuando vio en la selva a un hermoso pájaro de bello plumaje, era un quetzal.

Le gustó tanto que la quería para él, ordenó a sus hombres que lo atraparan. Sin embargo el ave era muy desconfiada y no se dejó cazar. Los guerreros aztecas pasaron varios días con sus noches persiguiendo al quetzal por la selva sin poder alcanzarlo.

Al enterarse de eso los totonacas de Yahualichan, fueron con los aztecas y les dijeron cómo atraparlo. Los totonacas sabían cómo hacerlo porque entre los productos que entregaban a Moctezuma como dote cada ochenta días estaban las plumas de quetzal.

Les dijeron que uno de ellos se tenía que esconder en un árbol y con una cerbatana le lanzara una bolita de lodo,los aztecas lo hicieron y una vez que atraparon al ave, la encerraron en una jaula muy grande.

Cuauhtémoc entró a Tenochtitlan llevando al quetzal como la mayor riqueza de aquel viaje.

A Moctezuma le gustó mucho ese obsequio y lo agregó al gran zoológico que tenía en su palacio, donde había todo tipo de animales de las tierras conocidas por los aztecas, vivían entre estanques y jardines. El quetzal era el animal más bello de todos.

Pasaron unos días y el quetzal se entristeció tanto que al poco tiempo amaneció muerto. Fue cuando los aztecas se dieron cuenta que no podía vivir fuera de su ambiente y sin libertad.

El emperador Moctezuma también se entristeció mucho, y para honrar a la bella ave hizo que le crearan un penacho, un penacho que fuera grande y hermoso y que en él utilizaran las plumas de su quetzal.

También le incrustaron joyas preciosas y oro para que todo aquel que mirara ese penacho recordara al quetzal y los dejaran en libertad para que siguieran embelleciendo a su pueblo.

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Lo que muchos se han preguntado a lo largo de los siglos es si Moctezuma realmente utilizó alguna vez este tocado espectacular ya que los historiadores aseguran que ni Moctezuma ni los anteriores reyes aztecas utilizaban penacho, aunque sí vestían una especie de corona de oro llamada “copilli” que indicaba el más alto estatus de poder. Además, parece haber evidencias que indican que Moctezuma nunca vistió esta pieza.

Espero que os guste la historia de este tocado tan especial.

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MATERIALES ANTIGUOS DE SOMBRERERIA

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¿Crees que conoces los materiales antiguos de sombrereria? Estás totalmente equivocado

No suelo contar muchas cosas relacionadas con mi trabajo en Sastreria Cornejo, aunque ya sabéis que soy la responsable del Taller de Sombrerería, sin embargo, con motivo de la aparición de la empresa en el programa España Directo que se emitió el día 14 de noviembre (la semana pasada) y que podéis ver pinchando AQUÍ, aproximadamente en el minuto 32:30, he pensado que seguramente te interesaría conocer algunas cosas curiosas que pasan por nuestras manos.

Aunque hacemos muchas piezas nuevas como las que habéis visto en el vídeo de arriba para la obra de teatro “33”, mucho de nuestro trabajo se basa en la restauración de piezas que en muchas ocasiones son verdaderas reliquias.

Tal es el caso que te vengo a contar hoy. Esta semana hemos tenido que restaurar unas gorras militares antiguas. En muchas ocasiones, durante la restauración, hemos visto materiales que hoy en día no se consiguen fácilmente o directamente no se encuentran. Es muy curioso ver cómo estaban hechas estas piezas y qué materiales utilizaban.

 

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En el caso de nuestra gorra militar, al deshacerla para poder restaurarla por completo, nos encontramos con que en el interior del forro habían utilizado una revista de la época para darle algo de cuerpo al interior. Como nos llamó mucho la atención, decidimos buscar la noticia en internet. Y cual fue nuestra sorpresa cuando vimos que la noticia databa de aproximadamente 1960.

Cada vez que tenemos que restaurar una pieza antigua nos podemos encontrar con casi cualquier cosa.

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De verdad, sobre todo en los materiales que utilizaban para reforzar el sombrero o darle rigidez. Hemos encontrado revistas, periódicos, papeles engomados, restos de diferentes tejidos con una especie de amalgama pegajosa que los mantiene unidos, etc, etc.

Hay que tener muchísimo cuidado al restaurar estas piezas porque nunca sabemos lo que nos puede sorprender en el interior de estas joyas que guardan una historia que no siempre acabamos conociendo.

¿Has tenido oportunidad de restaurar alguna pieza antigua?

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¿Sabes tomar las medidas de la cabeza?

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Estoy segura de que has medido muchas veces las cabezas de aquellas personas a las que has tenido que confeccionar un sombrero o tocado, pero a veces saber tomar las medidas de la cabeza se puede convertir en un verdadero problema si no tienes claro qué hay que hacer.

Para poder comenzar con el trabajo has tenido que tomar una medida básica que es el contorno de la cabeza. Pero eso no siempre es así de fácil, a veces te encuentras con proyectos que requieren la toma de unas medidas más a fondo y que mucha gente desconoce.

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Justo hace unas semanas he tenido que enfrentarme a un proyecto de esos en los que tienes que invertir días pensando cómo acometer esas formas y volúmenes. Son trabajos más complejos que requieren una ejecución perfecta y para eso necesitas tomar medidas extra. Sí… Además del contorno de cabeza hay una serie de medidas poco conocidas y, a veces, poco utilizadas que nos ayudan en esos momentos en los que no sabemos qué hacer.

Pero ¿cuáles son esas medidas? Ahí van:

  • de oreja a oreja
  • de seno a seno (sien)
  • de la frente a la nuca
  • nuca alta
  • nuca baja

De momento estas medidas pueden asustar un poco pero hay piezas que requieren ajustar bien porque no todas las cabezas son iguales ni tienen un óvalo perfecto.

Además de tomar estas medidas extra hay que tener en cuenta otros aspectos externos como pueden ser el peinado o si se lleva peluca, que en el caso del cine o teatro es algo muy común.

No se si conocias ya este tipo de medidas así que cuentame si alguna vez las has tomado y en caso afirmativo ¿qué tipo de tocado has tenido que hacer para tener que utilizar estas medidas?

Te espero en el próximo post.

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¿Conoces a Lily Dache?

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Puede que aún no lo sepas pero en realidad sí conoces a LiLy Dache

Esta placa la fotografié en mi viaje a Nueva York, cuando hice el máster de sombrerería. mientras paseábamos con Anya Caliendo por el distrito de la moda. Hasta entonces yo no conocía a Lily Dache, como seguro que te pasa a tí ahora mismo.

Y es de ella de quien quiero hablaros: una sombrerera de origen francés pero que desarrolló su actividad profesional en Nueva York de la que quizás no hayáis oído hablar pero cuyas creaciones seguro que habéis visto en alguna ocasión.

Ella es Lily Dache, nacida en Francia en 1898 que se trasladó a Estados Unidos con tan solo dieciocho años y trece dólares en el bolsillo. En tan solo un año ya había abierto su primera tienda y en muy poco tiempo creó un imperio convirtiéndose en la sombrerera más importante de la época.

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Su especialidad eran los turbantes que ella misma modelaba sobre la cabeza de la clienta. Pero además trabajó para muchas actrices como Carmen Miranda, Sonja Henie, Audrey Hepburn, Carole Lombard o Marlene Dietrich.

Si no la conocías, es el momento de que eches un vistazo a sus trabajos.

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“Glamour es lo que hace que un hombre te pregunte el número de teléfono. Pero también es lo que hace que una mujer te pregunte el nombre de tu modista”. Lilly Daché

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¿Sabes quién…? My Fair Lady

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¿Sabes quién…hizo los sombreros de My Fair Lady?

Una de las películas que hoy en día es un clásico y, por supuesto, todo un icono que ha influido en cientos de diseñadores actuales es My Fair Lady ¿Quien no recuerda a Audrey Hepburn luciendo esas maravillosas piezas de arte de formas imposibles? Estoy segura de que la estás visualizando. Pero… ¿Alguna vez te has preguntado quién hizo los sombreros de My Fair Lady?

Te lo voy a contar porque me parece muy interesante conocer la trayectoria del artífice de estas joyas ya que ha marcado un momento importante en la moda.

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Su nombre es Cecil Beaton (1904-1980), en realidad es uno de esos artistas multidisciplinar imposible de encasillar en una profesión concreta. Estudió en Oxford aunque no llegó a graduarse porque lo que realmente le gustaba era la fotografía, de hecho trabajó para Vogue o Harper’s Bazaar entre otras revistas de moda.

Por su objetivo pa­saron todo tipo de personalidades del mundo del espec­tá­culo, la cultura o la moda, la propia Isabel II y su familia o el mismo Churchill cuando durante la Segunda Gue­rra Mundial trabajó para el gobierno británico en el Ministerio de Información.

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También trabajó como escenógrafo y tuvo la oportunidad de diseñar el vestuario para la ópera de Puccini, Turandot. Su magnífica escenografía en la representación teatral en Broadway de My Fair Lady dio lugar a dos películas musicales de gran éxito por las que fue premiado con el Óscar al mejor vestuario: Gigi (1958) y My Fair Lady (1964).

Para ésta última diseñó 1.086 vestidos cuidando hasta el más mínimo detalle. Men­ción especial merece su recreación de las carreras de As­cot: un festival de exagerados sombreros que influirán más tarde en Philip Treacy o Anya Caliendo, entre otros.

En definitiva, My Fair Lady se convirtió no solo en uno de los grandes y oscarizados musicales de la historia del ci­ne, sino en todo un manual de estilo de Cecil Beaton y un referente para toda la profesión.

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EL SOMBRERO CORDOBÉS

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El sombrero cordobés o como sobrevivir a la moda

El sombrero cordobés es una de esas obras de arte que parece permanecer ajeno al vaivén de las modas, un accesorio atemporal que cada vez afianza más su presencia a nivel mundial.

Aunque es una prenda que aparece documentada en grabados del siglo XVII se puede decir que su popularidad ha comenzado a crecer a finales del siglo XIX o principios del XX.

En sus orígenes era un sombrero utilizado por los jornaleros ya que éstos pedían una pieza que fuera resistente a las inclemencias del tiempo, que el ala no se doblara y fuera lo suficientemente fuerte como para resistir la lluvia, el viento, la suciedad y otro tipo de inclemencias. Es por esto que el material original que se utilizaba era el fieltro de color negro.

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Su diseño se caracteriza por ser bastante sencillo pero muy elegante: un ala plana cuya medida puede variar entre los 8 y 12 cm, y una copa cilíndrica, en ocasiones un poco cónica, cuya altura se encuentra entre los 10 y 12 cm.

El auténtico sombrero cordobés se realiza siempre a medida y por esta razón no tiene unas medidas estándar sino que varía en función del gusto del cliente que lo solicita.

Esta pieza típicamente española no solo ha sido lucida por ilustres cordobeses como Julio Romero de Torres o Manolete, sino que ha aumentado su popularidad a nivel mundial gracias a que actrices como Paz Vega, Sara Jessica Parker o Madonna lo hayan lucido en miles de revistas.

Además los grandes diseñadores de alta costura tanto españoles como extranjeros lo ha incorporado en sus colecciones dando un toque muy especial.

Sin ir más yo he creado mi versión algo más moderna para la colección Mata Hari. He sustituido el fieltro por seda y algodón impreso y creo que el resultado es magnífico.

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LA MINISTRA DE LA MODA

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El nacimiento de la alta costura a través de la ministra de la moda

Hace unas semanas viajé a París y tuve la oportunidad de visitar el Palacio de Versalles,  una maravilla como tantas otras de la historia de Francia. Un lujo sin límites que terminó con la Revolución Francesa pero también fue una época que tuvo su importancia para la moda porque se podría decir que ahí nació la primera diseñadora de alta costura: ROSE BERTIN.

Marie-Jeanne Bertin nació el 2 de julio de 1749, Abbeville, Picardie, Francia, fue una francesa del pueblo que llegó a ser gran amiga de la reina María Antonieta y, por supuesto, la creadora de todos su vestidos y tocados junto al peluquero Leonard Autié. Juntos crearon ese estilo tan particular del París de los excesos.

 

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Con dieciséis años cambió su nombre por el de Rose y en 1770 abrió una tienda de ropa en la calle Saint-Honoré (actualmente es la calle de las grandes marcas de moda) conocida con el nombre de Le Grand Mogol . Una tienda que, por su gran opulencia, contrastaba con las calles de un pueblo que vivía en la más absoluta miseria.

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El estilo único de Rose llegó pronto a ser conocido por la reina Maria Antonieta que pasó a ser una de sus principales clientas gastándose verdaderas fortunas en vestidos de alta costura con los acabados más barrocos que puedas imaginar y tocados imposibles.

Pero mientras María Antonieta lucía aquellos costosos trajes y Rose Bertin se enriquecía rápidamente, París se preparaba para levantarse contra la injusticia. La toma de la Bastilla el 14 de junio de 1789 cambiaría el destino de la familia real y con ella el de la que hasta entonces era conocida como la ministra de la moda.

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Hoy en día podemos ver su influencia de la mano de otro diseñador francés, Christian Louboutin, que tomó el estilismo de María Antonieta para diseñar sus famosos zapatos de suela roja, o los maravillosos tocados navales de Philip Treacy.

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Hasta el próximo lunes.

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SOMBREROS ECLESIÁSTICOS

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Tejas de Obispo: el sombrero eclesiástico

Existen infinidad de sombreros y tocados que a lo largo de la historia han tenido papeles muy importantes , han designado estamentos o han establecido diferencias sociales. Uno de los estamentos que más sorprende por su gran variedad de sombreros es el eclesiástico. Has visto muchos sombreros para diferentes religiones pero entre todos ellos hay uno que me ha llamado muchísimo la atención por su diseño, decoración y colorido.

Esta semana hemos tenido la oportunidad de restaurar algunas de estas piezas que quiero presentarte hoy: las TEJAS DE OBISPO.

Dicho así puede parecer un dulce o algo así pero no es ni más ni menos que un sombrero que visten los obispos, arzobispos y el Papa.

La teja se hace de fieltro de castor o de paja teñida y se suele forrar interiormente con seda.

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Los obispos lo usan negro con cordón y borlas de seda verde, aunque era frecuente que lo usaran trenzado con cordón de oro.

Los arzobispos lo usan negro con cordón y borlas trenzados de verde y de oro.

Los cardenales lo usan negro con cordón y borlas trenzados en rojo y oro.

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El Papa usa la teja roja con filo dorado, adornada con cinta de seda bordada en oro y con bellotas de lo mismo. Juan XXIII usó en ocasiones una teja igual pero en color blanco.

La teja roja fue utilizada por los papas desde el siglo XVI ininterrumpidamente hasta Pablo VI.

¿Te habías fijado alguna vez en este sombrero?

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ARTESANIA DE LUJO

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Artesania de lujo: ¿incompatibilidad?

Un día navegando en internet buscando ya no recuerdo qué, encontré una información que me llamó mucho la atención y he decidido escribir un post relacionado con el tema que me pareció muy interesante. Y me gustaría saber vuestra opinión. No se si habéis escuchado alguna vez la expresión “artesanía de lujo”. Lo cierto es que con el concepto que se tiene en España de la artesanía, el adjetivo “lujo” es como que sobra, que no tiene nada que ver, lo que yo llamaría una incompatibilidad semántica.

He hecho un pequeño experimento: he pedido a varias personas de diferente sexo, edad, profesión y nacionalidad que me describieran la palabra “artesanía”, quiero saber qué es lo que evoca en tu mente. Les he hecho dos preguntas:

 

  • ¿Qué es para ti la “artesanía”?
  • Según tu concepto de “artesanía” ¿tiene sentido la frase “artesania de lujo”?

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Y estos han sido los resultados:

 

  • “Para mí la artesanía tiene mucho valor por ser un producto único. De lujo… no lo encajo tanto, me es más difícil describirlo porque pienso que el hecho de estar hecho a mano y ser único ya es un lujo”.
  • “Yo considero que Artesanía es la expresión o manifestación más pura y genuina de las costumbres de un pueblo, de  su cultura y su historia. Como soy de origen colombiano, soy muy sensible a la artesanía indígena de las distintas regiones de mi país. Artesanía es belleza, magia e historia. También cuando pienso en Artesanía  veo los bolsos aruahacos o los wayúu tejidos por los indígenas de esas regiones colombianas. Piezas que encuentras en los mercados artesanales, pero que no se puede permitir  todo el mundo. Bueno, tampoco es que sean para todo el mundo. Artesanía son los chales maravillosos que hace mi amiga en su taller, cerca de Bogotá. De un gusto y un diseño exquisito. En estos casos, encuentro lujo y  buen gusto en una obra artesanal. Me encantan”.
  • “Artesanía es lo contrario de industrial. Una cosa es artesana siempre que haya alguien detrás que haga el producto y lo haga con cariño. Artesanía viene de los gremios donde cada uno tenía su taller y actualmente se está volviendo a los talleres donde la gente hace productos con cariño. Para mí eso es artesanía”. Artesanía de lujo… Normalmente la mayoría de productos de lujo tienen un proceso artesanal”.
  • “Pues para mí para la artesanía significa un tipo de arte hecho de forma manual  por una persona que no necesariamente tiene que ser una experta en la materia para conseguir  crear algo que nos deje atónitos a todos. La artesanía en sí es un lujo, ¿no? Tanto para el que la crea como para el que la disfruta”.
  • “Para mí la artesanía es todo aquello que está hecho con nuestras manos  o en ausencia de máquinas. Pero eso no quita que se la pueda catalogar como “artesanía de lujo” hay trabajos que están muy logrados. Es más por todo el trabajo que llevan algunas piezas es normal que tengan esos precios tan altos. La gente no está dispuesta a pagar por algo artesanal un precio elevado aunque le guste mucho, pero no sabe que ese precio es así por el trabajo que va detrás”.
  • “Pues yo diría que es algo así como el Oficio de crear utensilios o elementos decorativos de forma manual… Artesanía de lujo sí me suena bien, yo lo entiendo como artesanía de calidad”.
  • “Artesanía es la creación o elaboración de productos de forma tradicional sin utilizar las nuevas tecnologías. La frase artesanía de lujo sí tiene sentido, tal vez pudiera ser esa artesanía elaborada con materias primas de mayor calidad”.
  • “Artesanía es hacer algún producto manual sin ayuda de maquinaria, por lo que conlleva más trabajo y esfuerzo, encareciéndose ese producto por supuesto. Artesanía de lujo podría decirse si se utiliza material de lujo”.

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Bueno, todos están de acuerdo en algo: la artesanía está “hecha a mano”.

Pero es muy probable que en España tengamos un concepto muy arraigado de lo que la artesanía ha sido para este país. Generalizando, lo asociamos a un objeto hecho a mano, con materiales más o menos comunes, desechables o incluso reciclados, algo folclórico rozando lo rural. Y tenemos muy interiorizada la asociación de la artesanía con un puesto de mercado a muy bajo coste.

Sin embargo en nuestro país vecino, Francia, la artesanía está muy valorada y goza de gran prestigio, quizás porque grandes marcas como Chanel se autorretratan como artesanas. Y ahí topamos con el problema: si no hay una gran marca que respalde  el trabajo artesanal parece que éste pierde todo el lujo.

Debemos conseguir que esto cambie porque nos encontramos ante un mercado emergente de “artesania de lujo” que antes no hubiéramos podido concebir.

¿A qué me refiero? A pequeñas marcas que suelen estar dirigidas por una o muy poquitas personas que producen de forma totalmente manual su producto que ellos mismos comercializan a través de su web u otros medios.

Pero ¿qué es lo que hace que estas pequeñas marcas produzcan “artesanía de lujo”? Precisamente que consiguen los mismos estándares de calidad que una gran marca de lujo. No vale con que esté “hecho a mano”, sino que ha de tener diseño, creatividad y por supuesto calidad.

Esto me lleva a pensar en la figura del artista, ¿qué diferencia hay entre un artista y un artesano? Creo que así a bote pronto el prestigio de uno frente al otro.

Y eso es lo que quiero que cambiemos, la imagen del artesano rural por la de un artesano artista, por llamarlo de alguna forma.

La alta costura es lujo pero también es artesanía tanto si la produce una gran marca como si la hago yo misma o cualquiera de esas pequeñas marcas desconocidas.

¿Tú que opinas?

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